Abstrakcja i natura
Ewa Mróz mieszają abstrakcję z krajobrazem i trójwymiarową strukturą. A wszystko to w kolorach Ziemi, dzięki czemu tym bardziej można poczuć jedność sztuki z Naturą.
Po prawej:
In Somberness of Moments
Cykl: Simple Moments
Ewa Mróz
Ewa Mróz
Malarka tworząca abstrakcyjne pejzaże o wyraźnej strukturze w kolorach Ziemii. Jej prace były prezentowane na licznych wystawach grupowych oraz indywidualnych w Polsce i Holandii. Prace artystki znajdują uznanie wśród kolekcjonerów zarówno w Polsce, jak i na arenie międzynarodowej.
Prace Ewy możesz zobaczyć na jej Instagramie oraz stronie internetowej.
Ewa specjalnie dla czytelniczek i czytelników Artystycznych Lekcji Fotografii odpowiedziała na zadane przeze mnie pytania, żebyśmy lepiej mogli poznać Jej sztukę.
Tworzysz abstrakcyjne pejzaże. Czy są one całkowicie wytworem Twojej wyobraźni, czy stanowią krajobrazy, które już widziałaś?
Abstrakcyjne pejzaże, które tworzę są zarówno wytworem mojej wyobraźni jak i tymi, które już widziałam. Zdarza się, że jestem tak mocno zachwycona i poruszona tym co widzę w czasie spaceru czy podróży, a natura tworzy tak misterne kompozycje, że z automatu wyciągam telefon i robię zdjęcie. Wiem, że nie będę w stanie odtworzyć tego z pamięci. Wówczas wracam do takich zdjęć po jakimś czasie i wtedy obraz powstaje na bazie uchwyconego kadru. Często zmieniam jego kolorystykę i łączy się ona z tym co chcę przekazać poprzez dany obraz.
Mam też sporo zamówień na obrazy, do których inspiracjami są zdjęcia moich Klientów. Chcą oni zatrzymać swoje wspomnienia wyjątkowych miejsc w obrazach. Są to pocztówki z wakacji, są to miejsca, gdzie wydarzyło się coś ważnego w ich życiu, są to miejsca, do których lubią wracać np. ulubiona trasa spaceru. Cieszę się, że mogę stworzyć dla nich taki spersonalizowany obraz na zamówienie, który jest dla nich szczególny i przybliża ich do natury w zaciszu domu.
Obrazy, które maluję z wyobraźni też są poniekąd tymi, które już wcześniej widziałam. Uważam, że te wszystkie kadry, które nam towarzyszą w życiu, budują zarówno nasze wspomnienia jak i naszą wyobraźnię. Taki obraz jest milionem cząstek, których doświadczyłam, przefiltrowanych przez moją wrażliwość.
12:22
Cykl: Transformation of Awakenings
Ewa Mróz
Jak wygląda Twój proces twórczy w kontekście tworzenia struktury? Czy przy jej tworzeniu towarzyszą Ci inne emocje z uwagi na trójwymiarowość?
Tworzenie obrazów z tak bogatą strukturą wymaga ode mnie wiedzy i doświadczenia, jak będzie ona wyglądać finalnie i jaki chcę uzyskać efekt. Nie jest to przypadek. Tworząc swoje obrazy na początek nakładam strukturę, która jest całkowicie biała. Nie mieszam struktury z farbami choć wiem, że niektórzy tak robią. Moje obrazy są białe – strukturalne by po chwili, gdy struktura wysycha, stawały się tłem do nakładania barw ziemi. Zarówno nakładanie struktury jak i kolorów jest momentem, kiedy jestem w transie porównywalnym do medytacji. Nie słucham podcastów, nie mogę rozmawiać przez telefon, moje skupienie jest w 100% przekierowane na proces twórczy. Myśli są wyłączone, a ja podążam za pędzlem czy szpachelką. Pomaga mi w tym często muzyka i to ona nadaje rytm pracy. Uważam, ze tworząc obrazy przenosimy swoją energie do nich, dlatego staram się słuchać spokojnej muzyki i często jest to po prostu muzyka instrumentalna lub mantry.
Standing in the choice
Cykl: Transformation of Awakenings
Ewa Mróz
Jak fotografować magiczne krajobrazy?
Inspirując się malarstwem Ewy Mróz, nie mogłam zaproponować innego tematu na tę lekcję niż fotografia krajobrazowa.
Krajobrazy fotografujemy chyba wszyscy, choćby w formie zdjęć z wakacji. Jak sprawić, żeby nasze zdjęcia były bardziej magiczne? Porad jest mnóstwo, a poniżej podsumowałam pięć sposobów, które sprawią, że Twoje zdjęcia krajobrazowe będą bardziej magiczne.
Kiedy będziesz wdrażać moje rady – stosuj je pojedynczo, będzie Ci w ten sposób łatwiej 🙂
1. Twoje wyróżniki
W fotografii krajobrazów ważne jest to, żebyś znalazła swoje łączniki między zdjęciami, które jednocześnie będą Twoimi wyróżnikami. W końcu każdy może zrobić zdjęcie w danym miejscu. W przypadku malarstwa Ewy, jej wyróżnikami są bez wątpienia trójwymiarowa struktura, abstrakcja oraz kolory Ziemi. Moim wyróżnikiem jest pewien określony styl edycji, konkretne kolory (głównie niebieski) i linie łączące moje krajobrazy, jeśli zestawiam je obok siebie. Niebieski kolor nieba, rzek, jezior, często dostosowuję do “mojego niebieskiego”.
Możesz to zaobserwować na zdjęciach, które zamieściłam jako okładki na swojej stronie internetowej. To jest taka esencja moich “krajobrazowych wyróżników”:
a) Mój styl edycji sprawił, że zdjęcia są spójne, pomimo że każde zostało wykonane na innym kontynencie (Afryka, Europa i Ameryka Południowa).
b) Kolor fiordu koresponduje z kolorami nieba dwóch pozostałych zdjęć.
c) Zdjęcia są tak skomponowane tak, żeby przechodziły między nimi linie. Skała w Norwegii i cień na niej są przedłużeniem wydmy z Afryki, łącznie z cieniem na wydmie. Natomiast, skała z prawej strony norweskiego kadru przeradza się w dym z gorącego źródła na pustyni Atacama w Chile. Jest jeszcze parę drobniejszych przejść… Wiem, że na ogół się tego nie zauważa, ale ja lubię w taki sposób komponować swoje zdjęcia 😉
2. Praca ze światłem - złota godzina
Inspiruj
Cała fotografia to praca ze światłem. Nic więc dziwnego, że w fotografii krajobrazowej, również pełni bardzo ważną rolę 😉
Zdjęcie po prawej stronie zrobiłam w tak zwanej “złotej godzinie” kiedy światło pięknie oświetla krajobraz. Ale możemy pójść krok dalej i jeszcze bardziej popracować z tym światłem. Bardzo prostym pomysłem jest zrobienie zdjęcia pod światło, przy jednoczesnym zasłonięciu części tego światła przez element natury. Możesz świadomie zapanować nad refleksami słońca, co czyni zdjęcie nie tylko bardziej magiczne, ale też widać w nim Twój zamysł.
3. Praca ze światłem - poza złotą godziną
W większości przypadków, zdjęcia, które robimy nie są wykonywane podczas złotej godziny. Znalazłam prosty sposób na to, żeby były bardziej efektywne. Trzeba nałożyć na niebo maskę w Lightroomie i nieco je przyciemnić (np. zmniejszając wartość suwaków “exposure” lub “highlights”). W ten sposób więcej szczegółów nieba jest widoczne. Jeśli masz problemy z używaniem Lightrooma i chciałabyś wiedzieć więcej – odezwij się bezpośrednio do mnie 🙂
4. Skala
Fotografując krajobrazy pamiętaj o świadomym użyciu skali lub jej pominięciu. Są elementy (np. ludzie, samochody, drzewa), które mogą uzupełnić nasze zdjęcia krajobrazowe, mające znany rozmiar i mogące pomóc wyobrazić sobie wielkość innych elementów. Skala nie jest oczywiście obowiązkowym elementem zdjęcia. Jej obecność może podkreślić wielkość pozostałych elementów. Czasami bez elementu skali, zdjęcie mogłoby mieć gorszy odbiór, ponieważ odbiorca może nie umieć sobie wyobrazić wielkości pewnych obiektów np. wodospadu. Z drugiej strony brak skali może sprawić, że obraz będzie bardziej abstrakcyjny i bardziej będzie przyciągał odbiorcę. Wszystko zależy od konkretnego kadru i Twojej koncepcji. Warto natomiast, żeby to nie było dziełem przypadku, tylko celowy zabieg. Poniżej przykład zdjęcia, które zarówno ze skalą i bez skali jest ciekawe, ale na inny sposób. Jaką formę wolisz?
5. Linie
Fotografia krajobrazowa to często poszukiwanie linii. Zarówno tych, które tworzone są przez naturalne formacje, ale też linii tworzonych przez cienie i chmury. Przyjrzyj się zdjęciom poniżej. Pozornie są takie same, ale jest duża dysproporcja w tym jak przyciągają wzrok. Najbardziej angażujące zdjęcie zawiera cień o ciekawym, pofalowanym kształcie.
Mam nadzieję, że Ci się podobało! Czekam na Twoje krajobrazy! Opublikuj efekt swojej pracy na Instagramie i oznacz mnie (@pegazing), żebym mogła ją zobaczyć.
Będę też bardzo wdzięczna za polecenie Artystycznych Lekcji Fotografii znajomym!
